Kürzlich trat das britische Rockmusiktheater "Wuthering Heights" auf der Bühne des 40. Shanghai Spring International Music Festivals auf. Die Klassiker der Weltliteratur der britischen Schriftstellerin Emily Brontë wurden auf skurrile Weise mit der Spannung der Rockmusik neu interpretiert und bringen dem Publikum in Shanghai einen künstlerischen Sturm aus "Blitz und Feuer".
该剧由英国导演爱玛·赖斯执导，英国国家剧院、明智孩子剧团、布里斯托老维克剧院和约克皇家剧院联合制作，自2021年起在欧美巡演，被赞为“以睿智而迷人的幽默和现场乐队重现了这部小说，大胆而巧妙”。该剧由11名演员、3名乐师共同演绎，导演以其一贯颠覆常规的创作手法，大胆融合音乐、喜剧、偶戏、舞蹈、影像的叙事风格，与明智孩子剧团作曲家伊安·罗斯联袂，以摇滚与民谣相融的不羁音乐剧场演绎这部经典小说。
Die Adaption klassischer Literatur ist keine leichte Aufgabe. Seit der Veröffentlichung von "Wuthering Heights" in 90 wurden zahlreiche Film- und Fernseharbeiten in verschiedenen Sprachen adaptiert. Auf der Bühne schuf der Soundtrack-Meister Bernard Herman die Opernversion von "Wuthering Heights" in 0, und die japanische Takarazuka Opera Company führte auch eine rein weibliche Oper "Wuthering Heights" auf. In den 0er Jahren des 0. Jahrhunderts wurde die Musicalversion von "Wuthering Heights" auch auf den Bühnen des Londoner West End aufgeführt und unter anderem in Deutschland, Polen, Rumänien reproduziert. Man kann sagen, dass jeder in verschiedenen Epochen und Regionen unterschiedliche Vorstellungen von diesem Klassiker hat. Im Laufe der Zeit, unter der Anhäufung unterschiedlicher Verständnisse, kann die Restaurierung des Kanons mehr und mehr zu einer Vision werden, aber die einzigartige Nacherzählung entspricht eher den Erwartungen der Zeit.
Inspiriert von ihren eigenen Kindheitserlebnissen in den Mooren von Yorkshire und beim Campen auf dem Gipfel des Bauernhauses Westens auf einem Hügel, dekonstruiert Regisseurin Emma Rice die Klassiker aus einer einzigartigen Perspektive und geht es ihr mehr darum, wie sie das Publikum dazu bringen kann, diese Interpretationen zu akzeptieren.
Daher verlässt das Werk von Anfang an den Realismus des traditionellen Dramas, und es gibt keine Tendenz, den Roman wiederherzustellen. Die Schauspieler verweben ihre Hände auf der Bühne mit Ästen und Türverkleidungen, schreien, um den pfeifenden Wind nachzuahmen, und halten kleine Bücher hoch, um die verängstigten Vögel nachzuahmen, und schaffen so eine Atmosphäre unter dem dunkelblauen Himmel der Projektion, die das Publikum nach Yorkshire führt. Der Regisseur verwendet theatralische und veränderliche Ausdrücke, mit verschiedenen physischen Symbolen und cartoonartig übertriebenen Verhaltensweisen, um eine Figur nach der anderen und die Szenen, in denen sie sich befinden, zu erschaffen. Diese Eröffnung, die nicht nur nicht dem Klischee der Geschichte von "Wuthering Heights" entspricht, sondern auch dazu führt, dass sich die Menschen unter der Kartierung einiger Schlüsselsymbole assoziieren und allmählich angezogen werden. Das Stück verkörpert die Moore von Yorkshire als eine Gruppe von "Moor"-Chören in Form von Chören in einer antiken griechischen Tragödie und fungiert als Anführer der gesamten Geschichte, indem es das Publikum Schritt für Schritt in das Innere der Geschichte führt. Die Verschmelzung dieser Reihe von Erzählformen ist wunderbar.
Rache, ein Thema der Romanvorlage, wird von dem männlichen Protagonisten Heathcliff selbst während der Aufführung erwidert: "Warum muss es Rache sein? Nachdem das Thema der Rache bewusst hinter sich gelassen wurde, verwandelt die Show die Textur eines Unfugs in einen komischen und skurrilen körperlichen Comedy-Ausdruck. Als der zweite Akt beginnt, scherzen die Schauspieler, dass "es hier keine Romantik gibt", und der Ödland-Chor erscheint mit dem "Tod" in der Hand auf der Bühne.
Der Regisseur benutzte eine kleine Tafel und Kreide, um die Namen der Verstorbenen in der Geschichte leicht zu markieren. In der immer wieder markierten Markierung des Todes rückt der Tod nach und nach in den Mittelpunkt der Geschichte. Das Publikum ging von der Ignoranz des Verstorbenen zu einem Erwachen über, folgte den Anweisungen der Schauspieler im Stück und kümmerte sich darum, wer als nächstes dran sein sollte, und erkannte die Wende wieder. Der Zuschauer beginnt, in das sorgfältig arrangierte Spiel der Regisseurin einzutreten, d.h. in ihre Interpretation des klassischen Textes.
Catherine, die Heldin der Buchvorlage, die sich im Widerspruch zwischen wild und elegant, gewalttätig und zärtlich befindet, wird von dem Stück mit einer leichten Geste anschaulich dargestellt - nachdem sie sich am Fuß verletzt hatte, nahm sie keine weiße Gaze auf, um die Wunde zu umwickeln, sondern wickelte ein rotes Band um ihren Knöchel. In diesem Zug scheint die Zeit der Geschichte auseinandergerissen zu werden. Der momentane Schmerz und die menschliche Wendung, die der Schmerz hervorruft, werden auch in dem Bild eines roten Bandes dargestellt. Ähnlich verhält es sich in der Synchronizität zwischen Catherines Kompromissen für praktische Interessen, das Aufkommen der Rockmusik, ein Handmikrofon und ein Gebläse, die ihre manische, moderne Seite zum Vorschein bringen. Und der Tod nähert sich Catherine Schritt für Schritt in dieser zeitlosen Performance.
Die Verwendung von zwei verschiedenen Musikstilen, Rock und Folk, steht in krassem Kontrast. Der Rock'n'Roll, der wie das Thema der Rache für Aufregung und Empörung steht, wird in dem Moment zerstört, in dem er auftaucht. Im Gegenteil, das inklusive Temperament der Akzeptanz von Ressentiments, Ungerechtigkeit in der Welt und der Existenz aller Widersprüche wird von der Wiedergabe von Volksmusik durchdrungen. Aus der Haltung, die in der Musik zum Ausdruck kommt, kann man erkennen, dass das, was das Stück mehr hervorhebt, nicht die Rache oder der Tod selbst ist, sondern dass es im Angesicht des Todes und der Kälte der Welt auch eine Toleranz gibt, alles zu akzeptieren.
Warum hast du eine Rolle für den Wasteland Chorus geschaffen? Sie ahmen die heilige Stimme eines antiken griechischen Chores nach und geben so eine Perspektive auf Gott jenseits der Geschichte. Aber sie repräsentieren nicht den verehrten Himmel, sondern die Einöde, die mit Füßen getreten wird und verzweifelt nach allen Mitteln sucht – nichts anderes, als das Ende jedes Lebens zu bestimmen. Gleichzeitig fungieren sie als Erzähler und Zuschauer, um den Betrachter zu Details zu führen, die bisher nicht beachtet wurden. Ihr Volkschor ist wie der Klang, der durch die Landschaft und die Ecken der Städte weht. Die erste Perspektive der Adaption des Regisseurs ist von einem trostlosen Ort aus. Aus der Perspektive, dass es nicht "über dem Leben", sondern "über dem Überleben und unter dem Leben" steht, ist es die einzigartige Interpretation klassischer Texte in diesem Stück.
Die ganze Geschichte ist hier wie eine Schicksalsmaschine, und der Erzähler und Darsteller stellen sie dem Publikum vor. Der Fokus jeder Passage und jeder Aufführung ist von der Vernunft sorgfältig kalkuliert und schildert das komplexe Schicksal der Figuren und das Ende ihres Todes. Der Regisseur und die Darsteller kennen das Ende bereits, und sie können das Schicksal und Ende der Figuren in unzähligen Interpretationen nicht ändern. kann den inneren rollenden Klang nur durch Singen ausdrücken.
Am Ende des Stücks ist eines der Themen, die von den Schauspielern betont werden, die Bequemlichkeit – die wir im Leben oft übersehen. Und wenn der Regisseur und die Schauspieler des Stücks all ihre Kraft aufwenden, um all dies zu erzählen, breiten sie ihre "inklusive" Brust aus und erinnern das Publikum daran, die Bequemlichkeit vor ihnen zu schätzen.