Recentemente, o teatro de rock britânico "Wuthering Heights" apareceu no palco do 40º Festival Internacional de Música da Primavera de Xangai. Os clássicos da literatura mundial da escritora britânica Emily Brontë foram reinterpretados de forma caprichosa com a tensão do rock, trazendo uma tempestade artística de "relâmpagos e fogo" para o público de Xangai.
Dirigida pela diretora britânica Emma Rice e co-produzida pelo National Theatre, Wise Kids Theatre, Bristol Old Vic Theatre e York Royal Theatre, a peça percorreu a Europa e os Estados Unidos desde 399 e foi elogiada por "recriar o romance com um humor sábio e charmoso e banda ao vivo, ousada e inteligente". A peça é interpretada por 0 atores e 0 músicos, e o diretor, com sua abordagem criativa subversiva consistente, integra corajosamente o estilo narrativo de música, comédia, marionetes, dança e vídeo, e colabora com Ian Ross, o compositor da Wise Children Theatre Company, para interpretar este romance clássico em um teatro musical desinibido que mistura rock e folk.
改编经典文学并非易事。《呼啸山庄》自1847年出版以来，改编的不同语言版本的影视作品有很多。在舞台上，配乐大师伯纳德·赫尔曼在1951年创作了歌剧版《呼啸山庄》，日本宝冢歌剧团还上演过全女班底的歌剧《呼啸山庄》。20世纪90年代，伦敦西区舞台也上演过音乐剧版《呼啸山庄》，并被复刻到德国、波兰、罗马尼亚等地。可以说，不同时代不同地域的每个人，都有对这部经典的不同理解。而随着时间的推移，在不同理解的堆叠下，复原经典越来越只能成为一种愿景，倒是独具特色的重述更符合时代的期许。
Inspirada por suas próprias experiências de infância nos pântanos de Yorkshire e acampando no topo da casa de fazenda no topo da colina de Westens, a diretora Emma Rice desconstrói os clássicos de uma perspectiva única e está mais preocupada em como fazer o público aceitar essas interpretações.
Portanto, desde o início, a obra abandona o realismo do drama tradicional, e não há tendência de restaurar o romance. Os atores tecem as mãos no palco com galhos e painéis de portas, gritando para imitar o vento assobiando e segurando pequenos livros para imitar os pássaros assustados, criando uma atmosfera sob o céu azul escuro da projeção, levando o público a Yorkshire. O diretor usa expressões teatrais e mutáveis, com vários símbolos físicos e comportamentos exagerados de desenho animado, para criar um personagem após o outro e as cenas em que estão. Essa abertura, que não só não se conforma com o estereótipo de ninguém sobre a história de "O Morro dos Ventos Uivantes", mas também faz com que as pessoas se associem e sejam gradualmente atraídas sob o mapeamento de alguns símbolos-chave. A peça personifica os pântanos de Yorkshire como um grupo de coros "mouros" na forma de coros na tragédia grega antiga, e atua como o líder de toda a história, levando o público passo a passo para o interior da história. A fusão dessa série de formas narrativas é maravilhosa.
A vingança, um tema do romance original, é retrucada pelo próprio protagonista masculino Heathcliff durante a performance: "Por que tem que ser vingança? Depois de deixar conscientemente o tema da vingança para trás, o show transforma a textura de uma travessura em uma expressão cômica e peculiar de comédia física. Quando o segundo ato começa, os atores brincam que "não há romance aqui", e o coro do deserto aparece no palco com a "morte" nas mãos.
O diretor usou um pequeno quadro-negro e giz para marcar levemente os nomes dos falecidos na história. Na marcação da morte repetidas vezes, a morte gradualmente se torna o centro da história. O público passou de ignorar o falecido a ser acordado, seguindo as instruções dos atores da peça e se preocupando com quem deveria ser o próximo, e percebeu a virada novamente. O público começa a entrar no jogo cuidadosamente arranjado da diretora, ou seja, sua interpretação do texto clássico.
Catherine, a heroína do livro original, que está na contradição entre selvagem e elegante, violenta e afetuosa, é vividamente retratada pela peça com um leve gesto - depois de machucar o pé, ela não pegou gaze branca para enrolar a ferida, mas enrolou uma fita vermelha em volta do tornozelo. Nesse movimento, o tempo da história parece ser dilacerado. A dor momentânea e a torção humana provocada pela dor também são exibidas na imagem de uma fita vermelha. Da mesma forma, na sincronicidade entre o compromisso de Catherine por interesses práticos, o advento do rock, um microfone de mão e um soprador traz à tona seu lado maníaco e moderno. E a morte está se aproximando de Catherine passo a passo nesta performance atemporal.
O uso da peça de dois estilos diferentes de música, rock e folk, está em forte contraste. O rock 'n' roll, que representa excitação e indignação, como o tema da vingança, é destruído no momento em que aparece. Pelo contrário, o temperamento inclusivo de aceitar o ressentimento, a injustiça no mundo e a existência de todas as contradições é permeado pela interpretação da música folclórica. Pela atitude expressa na música, percebe-se que o que a peça espera destacar mais não é a vingança, nem a morte em si, mas diante da morte e da frieza do mundo, há também uma tolerância para aceitar tudo.
Por que você criou um papel para o Wasteland Chorus? Eles estão imitando a voz sagrada de um coro grego antigo, dando uma perspectiva de Deus além da história. Mas eles não representam o reverenciado Céu, mas o deserto que é pisoteado sob seus pés e desesperado por todos os meios - nada além de determinar o fim de cada vida. Ao mesmo tempo, eles atuam como narradores e espectadores para levar o espectador a ver detalhes aos quais não foi prestada atenção. Seu coro folclórico é como o som de flutuar pelo campo e pelos cantos das cidades. A perspectiva inicial da adaptação do diretor é de um lugar desolado. Do ponto de vista de que não pertence "acima da vida", mas está "acima da sobrevivência e abaixo da vida", é a interpretação única da peça de textos clássicos.
Toda a história é como uma máquina do destino aqui, e o narrador e o intérprete a colocam na frente do público. O foco de cada passagem e cada performance é cuidadosamente calculado pela razão, retratando o destino complexo dos personagens e o fim de suas mortes. O diretor e os artistas já sabem o final e não podem mudar o destino e o final dos personagens em inúmeras interpretações. só pode expressar o som interno de rolamento através do canto.
No final da peça, um dos temas enfatizados pelos atores é o conforto – que muitas vezes ignoramos na vida. E quando o diretor e os atores da peça usam todas as suas forças para contar tudo isso, eles estão abrindo seus peitos "inclusivos" e lembrando o público de valorizar o conforto à sua frente.